Une perspective qui offre un équilibre harmonieux à une illustration

Voir les choses sous un autre angle

On commence par la partie technique ! L’isométrie fait partie des styles graphiques qui possèdent des règles mathématiques. Ici, c’est la règle des 120° qui entre en jeu, pour cela, on utilise comme base un cube dont la partie centrale possède 3 angles de 120°, toutes les lignes de ce cube seront alors parallèles. Cette perspective offre un équilibre harmonieux et permet à l’objet représenté de n’être affecté par aucune déformation.

Une vision 3D en 2D

L’utilisation de l’isométrie est très courante dans l’illustration et le motion design, elle est souvent associée au Flat design pour un rendu encore plus moderne. Sur un site web par exemple, des illustrations isométriques permettent d’ajouter du volume et du dynamisme à son contenu.

Avec la lettre “I” on mélange isométrie et symétrie. J’ai commencé par créer un i frontal pour ensuite modifié ses angles à 120° afin d’obtenir une impression de 3 dimensions accentué par le côté “ombre et lumière” avec une partie pleine et l’autre en contour tout en restant dans un style global flat design.

Le graphisme japonais mélange tradition et modernité

Le design graphique à la japonaise

Il existe de nombreux styles graphiques japonais, certains conservent un aspect traditionnel tandis que d’autres sont très contemporains, comme le travail de Masaako Hiromura, graphiste à qui l’on doit l’illustration de JO de Tokyo en 2020. Le “Butsu butsu” est un style graphique emblématique du Japon, ses designs se composent de formes géométriques, souvent répétées et agencées de manière à créer des motifs dynamiques. En termes de couleurs, celles-ci seront vives et contrastés et leur utilisation brute peuvent rappeler la sérigraphie.

Pour la réalisation de ce logo j’ai choisi un caractère katakana de “ji” qui ressemble également à la lettre J de notre alphabet. J’ai composé le reste du logo avec une illustration du Mont Fuji dans un style inspiré du “Butsu butsu” pour contraster avec l’aspect “tracé à l’encre” du caractère, le cercle rouge rappelant également le drapeau du Japon.

C’est la manière d’accumuler les éléments visuels, les couleurs, les textures et de surcharger l’espace.

On l’aime autant qu’il nous pique les yeux

Pour réaliser un visuel kitsch, il vous faut : beaucoup de couleur, beaucoup d’effet, beaucoup de détail, mélanger le tout et n’hésitez pas à avoir la main lourde. Plus sérieusement, le principe du kitsch repose sur “l’accumulation”. Bien que ce style soit souvent perçu comme péjoratif, aujourd’hui de nombreuses créations sont volontairement “too much” pour offrir une ambiance, vintage ou année 80 à une affiche ou un logo, mais également dans la photographie.

Il y a plusieurs manières d’aborder le Kitsch dans le graphisme, ici j’ai choisi la vibe “année 80” avec une ambiance colorée et une typographie ronde avec empattement pour le côté vintage.

Des designs qui séduisent par leur facilité à s’adapter à différents univers graphiques.

Un logo construit d’un seul trait

Comme son nom le laisse deviner, le principe du Line art est de créer un visuel avec un tracé unique. Le rendu peut être moderne, dessiné à la main, voire abstrait en fonction de la texture du trait et de la complexité de l’illustration.

Les logos travaillés en Line art peuvent avoir un aspect rassurant grâce à des lignes naturelles. On peut prendre l’exemple du logo Air Bnb dont les lignes arrondies forment une maison, cela reflète les valeurs de la plateforme : l’accueil et le confort.

Un style épuré qui s’adapte et se personnalise à l’infini

Le linéaire est très présent dans la communication et le webdesign, notamment dans les icônes que l’on voit fleurir un peu partout sur le web. Ces designs séduisent par leur modernité et leur facilité à s’adapter à différents univers graphiques. En effet, on peut jouer sur les textures, les épaisseurs des contours et faire vivre ses tracés avec des couleurs ou des photographies.

Le but de ce logo était de réaliser une lettre en un seul tracé, j’ai tout d’abord réaliser des croquis à la main puis je l’ai retravaillé sur Illustrator pour l’équilibrer. Le résultat représente à la fois la lettre “L” mais on pourrait également y apercevoir un petit insecte ailé, son utilisation peut fonctionner également en motif.

Apporter un côté authentique et renforcer les valeurs artisanales

Nature peinture

Un logo réalisé avec un tracé à la main offre des lignes et des courbes moins rigides, moins calculées. Cette esthétique rappelle la nature et ses formes organiques. Ajoutez à cela des tons naturels ou pastels et votre marque aura un côté chaleureux et accueillant. En fait, c’est comme si vous vous trouviez face à une devanture fleurie, aux lumières chaudes : on a envie d’y entrer et cette ambiance, retranscrite dans une identité graphique, établit une connexion émotionnelle entre la marque et son public.

Un logo pour une marque authentique ?

L’utilisation d’une écriture manuscrite dans la création d’un logo peut apporter un côté “authentique” à une marque et va renforcer les valeurs “artisanales” et le côté “fait à la main”. Bien évidemment, de grandes marques possèdent ces codes uniquement pour s’en donner l’air et il n’empêche que psychologiquement, ça marche ! Cette technique fonctionne particulièrement dans l’univers du packaging : en utilisant des matériaux et des couleurs naturelles afin d’offrir un aspect artisanal et qualitatif au produit.

Pour créer ce logo, la lettre “e” se forme en une ligne qui rappelle l’écriture manuscrite. Elle vit dans une ellipse qui renforce ses formes arrondies. L’ensemble illustre une planète abstraite avec la terre et la mer délimitées par la ligne de la lettre, cela induit une marque respectueuse de la nature.

Concevoir un logo efficace, visible partout et déclinable à l’infini

Quand la 3d laisse place à l’épuré

L’air du Flat Design a créé un vrai ras de marrée dans l’univers du logo, presque toutes les marques y sont passées (comme Instagram et beaucoup de marques de voiture). Fini la 3D et toutes autres formes en relief, place aux tracés minimalistes accompagnés d’un beau dégradé.

Autre un regain de modernité, le style « Flat » s’avère également très utile dans la déclinaison d’un logo. Il fonctionne aussi bien en couleur, qu’en monochrome, est beaucoup plus simple à fabriquer en enseigne 3D ou utiliser comme tampon. Dans le digital, il offrira un large choix d’animations et s’intègrera parfaitement sur des visuels photo. Ces avantages ne sont pas négligeables, car son omniprésence renforcera l’identité de la marque.

 Trop de flat design tue le flat design ?

Aujourd’hui et depuis quelques années maintenant, les limites du Flat Design se sont fait ressentir, d’autres styles graphiques sont apparus ou réapparus pour permettre à une entité de se démarquer et affirmer davantage son identité. On peut noter par exemple le retour de la 3D avec l’effet “bubble” ou les styles rétro à la Andy Warhol.

Créer un logo en flat design c’est un exercice très simple en soit mais il faut trouver le petit plus qui fait son originalité. Ici, les formes qui composent le “F” sont divisées et le décalage deux la deuxième ligne du F apporte du dynamisme au logo.

Construire un logo dans les règles : un équilibre mathématique

Une créativité au design structuré

Dans la construction d’un logo, tout n’est pas qu’une question de créativité, certains logos sont conçus avec des règles très strictes en termes de géométrie. On peut se demander parfois comment un logo si simple au premier abord peut être si efficace, la réponse se cache souvent dans le nombre d’or. (Exemple : le logo National Geographic ou Pepsi)

Le nombre d’or nommé aussi par la lettre grecque “φ” (phi) est une proportion mathématique (env 1,618) qui offre une composition esthétique harmonieuse et équilibrée. Il peut être le secret d’une composition visuelle naturellement agréable à regarder ! Évidemment, ce n’est pas le seul moyen de créer un logo impactant, beaucoup d’autres techniques de conception qui peuvent être tout aussi efficaces, sans oublier la pertinence du logo en lui-même par rapport à la marque, son secteur et sa cible.

Les formes qui définissent un logo

La géométrie dans un logo peut également être porteuse de message. En effet, on n’aura pas le même ressenti devant un logo très arrondi par rapport à un logo plus anguleux. Les cercles sont souvent utilisés pour symboliser la communauté, les formes carrées, la fiabilité et la structure et le triangle, la stabilité et le dynamisme, etc. Le mélange de plusieurs de ces formes aboutira à un logo équilibré et mémorable tout en véhiculant les valeurs de l’entreprise.

Si la lettre “G” était une forme ce serait un demi cercle, cela m’a servi de base pour réaliser le logo. Le thème de la géométrie m’inspire également des principes de règles et de calculs. Ainsi, les formes qui composent la lettre respectent des règles de dimensions et d’espacement strictes et un équilibre entre les formes anguleuse et arrondies.

Un graphisme futuriste qui séduit grâce à son univers coloré

Synonyme de modernité

L’esthétique holographique est très reconnaissable par ces jeux de couleurs et de lumières, souvent dans les tons de rose, bleu et violet, mêlées dans un style diffus ou accentuées par des matières métalliques ou brillantes.

Une identité graphique qui possède des codes holographiques va souvent utiliser le noir pour apporter du contraste et faire ressortir les couleurs. On peut y voir des inspirations de la nature comme l’espace ou les aurores boréales.

Un style “futuriste” présent dans des secteurs très variés

• Dans la technologie : afin de représenter le dynamisme et l’innovation.
• Dans la mode et les cosmétiques : 2 domaines où la couleur est primordiale, pour une marque qui se veut moderne le style holographique prend tout son sens.
• Dans la musique : Le mélange de couleurs, les points de lumière et le mouvement onduleux peuvent être présent dans une identité graphique ou sous forme d’effet visuel lors de concert.

Le plus gros du travail dans ce logo a été la création du dégradé pour reproduire le mélange de couleur et ainsi reproduire l’aspect “holographique”. En ce qui concerne le logo en lui même, le thème “holographique” m’a inspiré une lettre déformée, presque organique en mouvement avec les couleurs.

Susciter un concept ou une émotion à travers une forme non figurative

L’abstrait : une définition concrète

Le style abstrait dans le graphisme se définit par la création d’un élément visuel non figuratif, le plus souvent déconnecté de la réalité objective. En gros, plutôt que de représenter un objet ou un sujet de manière reconnaissable, on va se concentrer sur la création d’une forme ou d’une composition qui suggère indirectement le concept.

Ce style offre une grande liberté d’interprétation, car il n’y a pas ou peu d’éléments concrets à reconnaître. Les compositions abstraites peuvent être très minimalistes avec des formes simples alliées à des combinaisons de couleurs audacieuses, mais elles peuvent également être plus complexes avec des visuels plus travaillés. Dans les deux cas, le spectateur sera intrigué par sa composition et tentera d’en comprendre la représentation avec son propre regard.

Comment l’utiliser dans le graphisme ?

L’art abstrait dans le graphisme est couramment utilisé dans la conception de logos et autres compositions visuelles comme des affiches ou motion design. On le retrouve aussi dans le webdesign dans lequel il permet d’ajouter une touche personnalisée à un site ou encore dynamiser sa navigation.

En conclusion, l’abstrait permet de jouer de manière innovante et parfois inattendue avec des éléments visuels, de susciter une émotion et de donner une touche unique à leurs créations.

Ici, le logo se forme en une seule ligne, la lettre “A” se devine par les directions de la ligne sans pour autant être identifié au premier abord. Cela crée un logo moderne, dynamique et sa simplicité est contrebalancé par un dégradé de couleur ou un motif..

Un équilibre entre les arrondis et les lignes droites, un retour à l’essentiel.

 Le Bauhaus : les origines

C’est avec nostalgie que je me replonge dans les cours de Design de ma licence en Arts Plastiques pour vous présenter un bref résumé de ce mouvement :

Le Bauhaus est une école d’architecture et d’arts appliqués fondée en 1919 par Walter Gropius, à Weimar, en Allemagne. De cette école est née une pensée esthétique qui voudrait que l’artiste doit avoir une conscience sociale envers la communauté qui, elle, doit le soutenir dans son œuvre. Pour résumer, l’artiste n’est pas détaché de la société : il n’y a plus de distinction entre l’artiste et l’artisan.

« Ce qui est utile se propage par soi-même et la multitude le produit car personne ne peut s’en passer ; le beau doit être propagé car un petit nombre le crée et nombreux sont ceux qui en ont besoin. » Gropius citant Goethe. Cette citation illustre parfaitement la pensée du Bauhaus et sa définition du design.

Dans le graphisme : on revient aux bases

Dans sa représentation visuelle, le Bauhaus a deux mots d’ordre : simplicité et harmonie : Ses formes et leur composition offrent un équilibre entre les arrondis et les lignes droites, notamment dans ses typographies où l’on se contente des formes géométriques des lettres sans empattement ni fioritures. Quant aux couleurs, sans surprise, on revient à l’essentiel : les trois couleurs primaires, le noir et le blanc, pas plus ! Selon les acteurs du mouvement, l’association des couleurs primaires (le bleu, le rouge et le jaune au cas où 😉) possède une harmonie pure d’une efficacité radicale qui attire le regard sur l’œuvre et rend son message clair et compréhensif.

C’est cette volonté de simplicité qui rend le style “Bauhaus” facilement reconnaissable et tout aussi impactant encore aujourd’hui.

J’ai composé le logo selon les règles : l’assemblage de formes géométrique forme la lettre. La base du B en noir s’habille des couleurs primaires pour former la lettre entière.

Créer un visuel dynamique et apporter de la profondeur à ses compositions

Différent de l’abstrait

Au premier abord, on pourrait assimiler le grand mouvement artistique du cubisme à un style abstrait. Cependant, bien que les figures soient parfois difficilement reconnaissables, ce n’est pas pour les mêmes raisons : les peintres cubistes intègrent plusieurs points de vue simultanément pour représenter leur sujet tout en ajoutant des formes géométriques pour composer l’ensemble. C’est cette combinaison qui provoque un décalage avec la réalité.

Son impact dans le design graphique

Dans le graphisme, nous allons surtout retrouver des influences cubistes dans des compositions de visuels de fond pour dynamiser la navigation d’un site web par exemple ou encore la composition d’une affiche. Généralement, on utilise des formes géométriques aux perspectives divergentes pour créer un visuel dynamique et apporter une touche de modernité à notre composition.

Pour créer ce logo, j’ai d’abord conservé la vision frontale de la lettre, je l’ai ensuite décomposée en segments qui possèdent différentes perspectives pour lui donner de la profondeur.

Beaucoup d’entreprises ont abandonné leur logo en 3D pour laisser place au Flat Design…

Un style graphique qui se re-modernise

Il n’y a pas si longtemps, à l’âge d’or du Flat Design et du minimalisme, les logos et iconographies créés en 3D étaient vite perçus comme vieillissants. Ainsi, beaucoup d’entreprises ont modernisé leur logo en s’affranchissant des reliefs pour laisser place à la simplicité (Instagram par exemple). Aujourd’hui, on peut tout de même noter une réapparition de la 3D dans le graphisme contemporain, notamment dans le motion design et l’illustration avec cet effet “Bubble” très à la mode en ce moment.

On retrouve également la 3D sur le web grâce à la technologie “WebGL” qui permet entre autres de rendre une forme en trois dimensions interactive lors de la navigation sur le site (par le scroll ou le curseur de la souris). Cette technologie offre une expérience utilisateur unique et très satisfaisante, son inconvénient ? Cela pèse très lourd !